Rango (EUA 2010)

Casi diez años atrás, un desconocido director de nombre Gore Verbinsky dirigía a un ya consagrado actor de culto Jhony Deep, con un personaje muy bizarro de nombre Jack Sparrow en una historia de piratas, el nombre era “Piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra”. La historia final es de todos conocidos, la película fue un éxito total y se convirtió en trilogía que a su vez este año estaremos viendo la cuarta entrega ya en spin off del Capitan Sparrow y con un nuevo director que es Rob Marshall. Pero esto no quiere decir que Gore–Deep deje de funcionar en una nueva época y en nuevo género, Rango es su nueva película, un tributo a los westerns más famosos y creada en CGI buscan acaparar en forma de sorpresa las salas de cine mundial.
Un camaleón con problemas existenciales, que por accidente llega a un pueblo en medio del desierto, se hace llamar Rango (esto proviene de la palabra Durango que era el lugar donde se hacia una bebida en forma de cactus que todos bebían por falta de agua) un reptil con dotes histriónicos que contando anécdotas de valentía se llega a ganar la admiración de un pueblo ansioso de encontrar un héroe que traiga de vuelta el agua, que los ha hecho maldecir las tierras en las que viven y mal venderlas a los ahora dueños del pueblo. Un intenso discurso se encuentra en una historia animada que para nada está hecha para niños, la psicodelia del guion, la animación tan cruda y bien manejada hacen de Rango una grata revelación. Los estudios Industrial Light & Magic de George Lucas entran por la puerta grande a competir con PIXAR, Dreamworks, Blu Sky, Sony Animation y Universal que ya habían ganado un terreno en este género. La banda sonora de Hanz Zimmer es tan solo sobresaliente al realizar un sinfín de tributos a todos las BSO de las grande películas Western de Ennio Morricone y en manos de otro gran creador es una delicia escucharlos, así como el sin numero de referencias visuales al género que hay dentro de la misma película, que este año buscará regresar al gusto de miles de seguidores con la película de Cowboys vs Aliens.

“Todo pueblo necesita algo o alguien en quien creer…..” frase que se repite una y otra vez en los personajes y hoy Rango se convierte en ese líder a quien seguir. Por supuesto su carisma y creatividad actoral, lo coloco en el papel de Sheriff del condado y la gran esperanza de este. Y como es de predecir es esta circunstancia la que definirá el rumbo de la historia, un héroe que no elige serlo pero que tendrá que buscar en su interior o en sus revelaciones (con Clint Eastwood podría ser) si en verdad es digno de portar la insignia de sheriff.

Un gran mensaje sobre el manejo de los recursos naturales en los personajes equivocados y como esto podría ser el futuro de un planeta ansioso de conseguir un recurso tan valioso como lo es el agua y la lectura de camaleón que busca encontrar su identidad, tan solo sale sobrando ante una conjunto de reptiles y anfibios que sueñan con un poco de esperanza, que no tengan voz de profeta, que nosotros los humanos también buscamos en quien creer, bienvenido Rango.

Presunto Culpable (MEX 2008)

Roberto Hernandez, Geoffrey Smith y compañía estaban lejos de pensar que la película documental que grababan dentro de un reclusorio y seguían las vivencias o contrariedades de “Toño” un reo acusado de asesinato en primer grado en el año 2005, sería el fenómeno del 2011 del cine mexicano. Mucho menos imaginarían recaudar 41 millones de pesos en una semana “censurada” de exhibición y que serían la primera película distribuida por la nueva empresa dedicada a esto “Cinepolis”. Cuando en el año 2009 durante la proyección del documental en el Festival de cine de Guadalajara, la gente noto lo apasionado del filme y la historia tan llena de tragedias, el premio como mejor documental ya era una ganancia. Mi primer contacto con la historia fue dentro de una revista Rolling Stone que háblala en revisión especial de la película y hacia énfasis en la situación que “Toño” tenía con el mundo de la música, en este caso el Hip Hop.

Realicé un especial dentro de Clasificación C Radio 97.7 FM que en aquella época se realizaba en una pequeña sección que nos permitía hacer dentro del programa, Juan Manuel Bilodeau un gran amigo y conocedor de música en el puerto de Acapulco, de manera curiosa, él dice no saber nada de cine pero en aquel momento el tenia la misma revista que un servidor y sabia de la publicidad mediática que tenia la historia hasta ese momento, nuestro primer contacto fue hace casi ya dos años. En ningún momento, pensamos que en estos momentos sería el tema de conversación nacional.
Hoy “Presunto Culpable” exhibe el sistema Judicial de manera agresiva, pero real. El documental tiene la particularidad de dejar ver, la vida tal cual es, por eso muchas veces es este género el más desolador, el que mas “arde” al final de una proyección, el que genera emociones encontradas, el que da más de una conversación aun de madrugada, el que roba sueños y que despierta al que fantasea. “Nunca es triste la verdad….lo que no tiene es remedio” dice Serrat, quizás abrir heridas y después pensar que no ha pasado nada, es algo a lo cual como sociedad no estamos acostumbrados pero debemos tener mucho cuidado con los mensajes que decodificamos o quien nos cuenta su verdad y aun mas, que es lo que se busca, porque podríamos estar ante un experimento de un sistema que nos dice que es lo que tenemos que ver, que es lo que hay que pensar y ahí es cuando este género se convierte en un peligro. La cámara es también un arma que en manos equivocadas puede causar mucho daño.

En estos momentos los medios de comunicación dan pasos gigantescos ante el término “verdad” que da miedo, por el poder de captación y de “educación” que tienen día a día. Un noticiero por la noche puede decir que una revista o un periódico no es confiable y lo repite en todas sus repeticiones y por supuesto que al próximo día la gente lo cree, si lo dijo Loret de Mola, López Doriga, Adela Micha, Javier Alatorre, Ciro Gómez Leyva o Marín y su Milenio TV, ellos son la máxima influencia periodística de este país, todos cubriendo las espaldas del sistema. ¿Desde cuándo este grupo esta tan interesados en el verdadero bienestar del pueblo? ¿Cuando estos personajes se han congraciado con un pueblo que urge de verdades o de información creíble? ¿Desde cuándo la televisión dedica horas para encontrar a los asesinos de los activistas sociales (que también están grabados, Marisela no se olvida) en Ciudad Juárez?¿Porque se encuentra en cuestión de horas a los asesinos de los agentes gringos en México y no se pueden encontrar a ciertos personajes de la delincuencia que se buscan por años?. Cuidado con las televisoras, que hoy buscan acercarse mas y mas a los shows (porque eso buscan) que se generan en este tipo de casos. Cuando algo es justo, como lo que se ve en el caso de “Presunto Culpable”, el final es alentador, esperanzador, pero que “terceras personas” busquen juzgar lo que es correcto y que no, nos llevará a entender que ese cuarto poder del cual tanto se ha hablado, sea tan solo hoy una “verdad absoluta”. Una cámara manipulada por las manos equivocadas también es un arma que puede causar mucho daño, lo repito.

El discurso del Rey (ENG 2010)

Las películas con perfil bélico siguen siendo las consentidas de la academia y es con el discurso que el Rey Jorge VI hace a su pueblo cuando tienen que ingresar a la Segunda Guerra Mundial y combatir al “lobo feroz “de la historia universal (Hitler) con el cual hoy nos congraciamos. Quizás si hubiéramos escuchado el discurso de Hitler también tendríamos que resaltar la capacidad de liderazgo que tenía el con su pueblo o con los suyos, es más, dentro de la película “El discurso del Rey”, el mismo Jorge VI reconoce lo bien que decía las cosas, aun sin saber alemán; pero como en todos los casos la historia siempre será contada por los triunfadores y la academia envuelta por un montón de críticos conservadores, seguirán aplaudiendo y arrodillándose ante estas películas que le hablan a un pueblo que debe cuidarse de las personas que están a su alrededor porque son malos y los odian. Mas “I want you” con el Tio sam señalando a las masas jóvenes, buscando carne de cañón para seguir en el negocio de la guerra, que tanto les interesa.

Es por eso que una película inglesa, entró en su país y se robo la noche de los Academy Awards por encima de su “Red Social” que enaltece a un tipo traidor, en sus principios y con los suyos como lo es Mark Zuckerberg creador del Facebook, abren la herida y después buscan calmar las aguas con una historia más convencional y políticamente correcta como lo es la gran triunfadora de estos premios. Los gringos siguen deseando tanto ser parte de una nobleza a la cual no los invita su pasado de ex convictos, piratas y ladrones; que cada vez que alguien hace una película sobre la realeza, se bañan en elogios y premios, que creo no se merecen o mejor dicho están sobre valorados.

Tom Hooper, cuenta que es su madre la verdadera cómplice de realizar esta historia, ya que al ver la puesta en escena habla rápidamente con él para decirle que tiene que hacer la película de dicha obra (¿Mejor Guion Original?, una adaptación de una puesta en escena y basada en una historia real….deben explicar que utilizan para saber cuándo una historia es original y cuando no, por la cara de Nolan, imagino que fue un robo a Oscar armado) y solo tuvo que visualizar por un momento su cast que contaba con Colin Firth, Geofrey Rush, Helena Bonham Carter y Guy Pearce para saber que estaba ante una apuesta segura de éxito, lo cual lo fue. La película consagró a Firth quien después de ser nominado por dos años consecutivos como mejor actor protagónico (anteriormente por caracterizar a un personaje homosexual en “A Single man”) logra captar la imagen con la cual inicio su carrera en Hollywood al ser la personalidad inglesa y su acento lo que cautivo a miles de mujeres en el Diario de Bridget Jones como McDarcy el galán caballero que compite por el amor de Rene con Hugh Grant.

La película merecía sin duda estar entre las diez mejores, quizás hasta en la cinco primeras. Pero de eso ha ser una película que el mundo recordará por mucho tiempo, no lo creo. Existen historias más propositivas con directores mucho más importante en la lista, que la película será acreedora a un pronto olvido, como su antecesora “The Hurt Locker” que paso solo a la historia por haber desafiado al mundo Avatar de James Cameron y que de igual manera, enfrentar al mundo de las redes sociales en mano de Fincher, llamará mucho más la atención de porque ganó a él cómo fue que lo logro. “Un Oscar no es cool, hacer historia eso si es cool (sin olvidar la taquilla)”

Más allá de la Vida (EUA 2010)

Clint Eastwood está de vuelta (aunque nunca se ha ido, solo recordar el año pasado con Invictus) con una historia tan conmovedora como melancólica y reflexiva. Un ensayo con un dulce olor a muerte con una lectura final que habla más sobre el vivir que el morir. Y si eres de el tipo de personas que se engancha con los títulos que ponen en nuestro país, tendrás un gran conflicto al encontrarte un drama, sin una sola gota de terror, de la cual se pueden enumerar infinidad de situaciones que pondrán al espectador a valorar cada segundo más de vida, sin pensar tanto en lo que pasará después, quizás no debería en realidad lo que vendrá después de la muerte cuando se vive feliz y en plenitud; porque la película no responde ninguna pregunta con respecto al más allá, por si esa es la razón de la visita al cine.

Cuando planteamos las multi-historias dentro de una película recordamos los guiones de Guillermo Arriaga (Amores Perros, Babel, 21 Gramos) y hoy es muy convencional que para realizar una película se tomen tres o más historias y al final se unan como reflexión sobre el destino. Aquí es donde un maestro como Eastwood toma algo que quizás ya se convirtió en “cliché” y lo hace completamente suyo, cuando nos cuenta las historias de una reportera que sufrió el embate de la naturaleza y al tener un contacto cercano con la muerte se vuelve más sensible a saber qué pasa, científicamente, después de la vida. La segunda historia corre por el lado de un joven psíquico que decide retirarse del oficio y tener una vida normal y negar su don que tiene de hablar con seres de otra dimensión y por último un niño que al perder a su gemelo, cae en mano de cuanto charlatan existe en el mundo paranormal con el objetivo de poder hablar con su hermano.

Con una dirección impecable, en el manejo de la cámara y un score realizado por el mismo director, estamos ante uno de sus trabajos quizás menos complaciente con sus fans, pero que muestra la versatilidad de Eastwood para enfrentar historias, no solo aborda temas desoladores (quizás este lo sea, pero el giro final tiene tintes más románticos) sino que también explora ante situaciones cotidianas y metafóricas que hacen que el espectador se cuestione la responsabilidad de tomar decisiones y que cada acto conlleva a muchos más, alguno malos otros muy buenos, pero siempre existirán consecuencias que alimentan al ser humano en experiencia ( o eso a lo que llamamos vida).
Sigo esperando encontrar una película de este director, que no me sorprenda o me decepcione en algo, pero es el maestro sigue siendo el realizador a seguir para las nuevas generaciones.

"De Amor y Otras Adicciones" [EUA, 2010]

Para ser sinceros no estaba en mis planes ver la pelicula “De Amor y Otras Adicciones” pues aunque ya habia visto los avances y suponia que seria otra comedia romantica mas, no seria algo diferente a lo que ya habia visto antes. Pero aunque comienza como una comedia romantica con todos los cliches que aparecen estas peliculas, como el chavo que conoce a la chava y comienzan esta torcida relacion amorosa, para después dar un giro de 360° y volverse un drama mal planteado y poco creible.

La vida de este hombre cambia cuando conoce a una joven enferma de Parkinson en su etapa 1, Maggie con quien mantienen una relacion casual donde solo el sexo es lo primordial y los sentimientos como: El amor no existe.

Con cambios de humor que en ocasiones no sabes ni porque sucedieron, reconciliaciones y sorpresas muy poco ortodoxas como: grabarse mientras tienen relaciones para asi recordar lo que hicieron.

Anne Hathaway y Jake Gyllenhaal esta pareja que ya habiamos visto en “Secreto en la Montaña” regresan protagonizando un hibrido que aun sigo sin saber que es lo que vi (comedia romantica o drama), con un abuso interminable de desnudos y escenas sexuales casi explicitas donde hacen ver a sus protagonistas como unos simples actores de porno barato no dejan nada relevante y mucho menos bueno que comentar.

La pelicula viene dividida en dos partes, la primera vendria siendo una comedia llena de sexo explicito y la segunda parte vendria siendo un drama mal planteado donde la enfermedad de Parkinson que sufre la protagonista se hace mas y mas visible. A pesar de que quisieron hacernos pasar un rato agridulce con esta pelicula el director Edward Zwick quien antes nos habia dado buenos trabajos como: El Ultimo Samurai, Desafio, Diamante de Sangre y Valor Bajo Fuego, esta vez simplemente tira a la basura lo que antes habia creado.

Muchos no lo saben pero esta pelicula esta basada en el best seller “Hard Sell: The Evolution of a Viagra Salesman”, del autor Jamie Reidy.

“De Amor y Otras Adicciones” se nutre de dos actores consagrados, jóvenes y sexy's para atraer a un publico con ganas de morbo, gracias a una campaña promocional basada en lo sexual y que a pesar de haber logrado su cometido, deja a muchos con una sola pregunta ¿Que fue lo que vi? Esperemos que este director pueda plasmar la proxima vez, sus ideas en un mejor guion y en una mejor pelicula. Les dejamos el avance de este hibrido hecho pelicula.

Black Swan (EUA 2010)

2011 tenía que ser el año en el que todo mundo hablara de Darren Aronofsky, no por la película de la cual platicaremos, si no porque el regreso de Robocop era inminente, un clásico del cine gringo reinventado por una de las mentes más importantes que existen como autor en Estados Unidos. Lamentablemente hace meses que nos enteramos que el realizador había declinado de la realización por cuestiones personales que lo distanciaban del remake y el robot futurista tendrá que esperar. Sin embargo, después de regresar a la vida a Mickey Rourke hace un año, con “The Wrestler”, ha decidido ahora seguir la vida de la danza, del wrestling al ballet, complicada la idea, pero solo una metáfora de este nivel podría entregar un producto como lo es “Black Swan”.

El lago de los cisnes de Tchaikovsky, es la puesta en escena que sigue Aronofsky con tanta pasión y locura, que explota en la gran actuación (de una consagrada y de época) Natalie Portman que logra capturar todo y cada una de las obsesiones que tiene una bailarina en el ocaso (por la edad) de su carrera y que no ha encontrado el papel principal en una puesta musical que encumbre su vida y trayectoria profesional. Además de la frustración familiar, que lleva al seguir viviendo con una madre posesiva y que día a día le repite la pérdida de su carrera a causa de su embarazo pero que en su hija ve reflejado lo que ella no pudo lograr, aunado con dietas alimenticias y prohibición de amistades (si, muy castrante).

Con una cámara en mano que no hace distingue la realidad de la ficción , del delirio pasional de una casi virginal cisne blanca, que su director (personaje realizado por Vicent Cassel) busca convertir en un cisne negro y viceversa, la dualidad del ser , representando el clásico el lago de los cisnes y su rival a vencer (a parte de sí misma) es la joven sensual ( y sexual ) co protagonista, Mila Kunis que se convierte en una mujer fatal, un verdadero cisne negro que dé la espalda emergen sus alas tatuadas, que persiguen en sus locos delirios a la protagonista, mientras le hacen sexo oral (escena lésbica que ha dado mucho de qué hablar) . Kunis se logra quitar su personaje de “That 70´s Show” de golpe y de tajo (debería de pasar la receta a Ashton Kutcher).

Sin querer, la película se convierte en una metáfora starwarniana, ya que la constante búsqueda de nuestra protagonista por el éxito, la hace encontrar “su lado oscuro”, su poder maligno que se asemeja en demasía a su lado sensible y pasivo. La mujer rebelde emerge y el cisne negro nace, como si siempre hubiera existido dentro de ella y de manera curiosa, es cuando mayor lucidez llega encontrar en su vida, en su lado oscuro estaba ella esperando encontrarse. El cine Inde gringo tiene mucho más que ofrecer en estos momentos, que el cine palomero de Hollywood sin duda.

The Fighter (EUA 2010)

Recuerdo las palabras de mis padres “…la familia nunca te va a abandonar, en las buenas y en las malas siempre estaremos a tu lado”. En mi caso ha funcionado a la perfección y mi discurso en clases es el mismo, en reuniones de padres exhorto lo mismo, la persona que está a lado nunca te va a fallar. Hoy pienso que mi discurso necesita ser actualizado, por mucho que le doy vueltas me ha quedado claro que existen casos (casi increíbles) en los que una persona para poder triunfar, tiene que deslindarse por completo de su familia, porque se han convertido en su peor enemigo.

“The Fighter” de David O. Russel, nos cuenta la historia del ex campeón mundial de los pesos welter, Micky “The Irish” Ward, quien siempre vivió dentro de su familia a la sombra de su hermano, Dicky Euklund. Dicky había logrado en su mejor momento como boxeador, el derribar (no está muy claro eso, parece más un resbalón en el último round) al héroe afroamericano del momento, Sugar Ray Leonard, llevando la pelea a la decisión unánime, la cual por supuesto gano Sugar Ray, pero consagro en su pueblo natal una nueva leyenda. El hombre que había podido derribar al campeón y hacerlo ver mal en su mejor momento.

La pelea más difícil de Dicky, fueron las malas compañías y las malas decisiones, un divorcio y las drogas que siempre acompañan el camino de la estrellas, una pelea más que perdería por un contundente nocaut. Aunque la vida le daría la revancha al entrenar a su hermano más pequeño que emulaba sus pasos, con mayor sensatez y quizás con mayores aptitudes como boxeador (su entrega era muy particular), las indisciplinas de Dicky hizo a Micky el buscar una mejor opción como entrenador y representante porque entre su mama y su hermano lo estaban llevando por un mal camino, al conseguir peleas fuera del peso y que solo las hacían para cobrar sin pensar en la integridad del deportista.
Es interesante ver la carrera de Micky Ward, yo no conocía su trabajo pero después de ver la película opte por ver sus peleas y su famosa trilogía de peleas contra el peleador Arturo Gatti son la referencia más grande que tiene como peleador (La primera la gano por decisión y las otras dos las perdió de la misma forma) y son sus últimas peleas como profesional. Hacia falta una pelicula de box, con mucha carga emocional que no tiene nada con ver las peleas.